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嬉皮士现代主义:为乌托邦而奋斗

编译自:Hippie Modernism: The Struggle for Utopia

“嬉皮现代主义:为乌托邦而奋斗”审视了艺术、建筑和设计与20世纪60年代和70年代初反主流文化的交叉。今年早些时候,该展览在明尼阿波利斯市沃克艺术中心(Walker Art Center)展出,展览围绕蒂莫西·利里(Timothy Leary)的著名箴言“开启、融入、抽离”(Turn On, Tune In, Drop Out)松散地组织起来,描绘了那段时期的社会、文化和革命。

展览所附的目录更进一步,考虑到欧洲和北美出现的激进建筑和反设计运动的实践,以及印刷革命、新形式的戏剧和激进的政治。在这里,我们采访了策展人和编辑安德鲁·布劳维尔特(Andrew Blauvelt),谈谈这场运动的作用和影响。

尽管艺术和文化明显受到这一时期的影响,但很少有大型博物馆展览记录反主流文化。你认为这是为什么?你希望在“嬉皮士现代主义”中实现什么?

在过去十年左右的时间里,已经有了很多展览集中展示这一时期的各个方面,这已经成为艺术历史的时尚。但一般来说,大多数主要的博物馆都不会碰这些材料,因为它们并不完全属于艺术阵营,也不是那个时代的艺术经典。太多的“蜉蝣”(昙花一现的事物),或者我们所说的平面设计。

当我们想到20世纪60年代,我们通常会把它与许多其他重要的运动联系起来:流行音乐、概念主义、大地艺术(Land Art)、人体艺术、极简主义等等。通过做“嬉皮士现代主义”,我希望更多地关注这些高度实验性的实践,并通过这样做,为理解那个时期不符合规范叙述的作品打开新的空间。就像我们现在在遥远的地方寻找现代主义的证据一样,我们也可以在离家更近的地方看到被忽视的东西。

你能详细解释一下“嬉皮士现代主义”吗?

这似乎是一个矛盾的说法,主要是因为我们认为现代主义是或应该是什么。我被这个基本的难题吸引住了。然而,在做这个展览和这本书的过程中,我们越来越清楚地看到,这个词实际上体现了后来被称为后现代主义(对现代主义的批判)的矛盾。从今天的角度来看,它可能被简单地认为是“另一种现代主义”,是创造艺术、利用技术和塑造社会的另一种方式。

这本书的前言中,你提到了嬉皮士反主流文化和现代主义中共同的斗争意识和“从零开始”的需要。虽然文化和技术的元素在许多方面都有了进步,但我们仍然受到那个时期的问题和希望的束缚,这本书和展览中所讨论的很多内容在今天仍然适用。

哦,是的:气候变化、“黑人的命也是命”(Black Lives Matter)这是两个主要的例子。进步可能是缓慢的。斗争似乎是永恒的。我们仍在为自己的乌托邦而奋斗。我不想相信20世纪60年代的失败叙事,毕竟,这段历史是由上世纪80年代保守派的政治胜利所改写的。在我看来,这一胜利转瞬即逝,因为文化继续沿着20世纪60年代开始的轨迹前进。斗争仍在继续,这在很大程度上是因为这个体系改变了它的主题和雄心。例如,20世纪60年代的社群主义(communalism)被重新塑造成今天的共享经济:沙发冲浪变成了Airbnb,等等。

《全球概览》(Whole Earth Catalogue)上的一句话“求知若饥、虚心若愚”(Stay hungry. Stay foolish)是反主流文化的关键,但自从史蒂夫·乔布斯(Steve Jobs)在一次毕业典礼演讲中使用了这句话后,现在被硅谷企业家们采用了。令人难以置信的讽刺是,当你回顾那个时期的想法时——同样有趣的是,现在科技行业可能会把自己视为一种反主流文化。

啊,企业家的口号。我们应该记住,在20世纪60年代,计算机是大公司、政府和军队的领域。反主流文化的梦想是个人计算机。计算机(以及便携式摄像机甚至电视)可以成为释放个人创造力和联系人们的民主工具。这是一个革命性的想法。乔布斯和盖茨是这场革命的受益者,扎克伯格和布林必须与这场革命的遗产抗争。

反主流文化运动的跨学科性质最终形成了一种完整的“生活方式”——正如斯图尔特·布兰德的《全球概览》所体现的那样,你会说从某些方面来说,现在所做的是一种对可能发生的事情的积极描绘?

是的。我在书中说,反主流文化之所以在当时如此成功,是因为它积极地“原型化”它想要生活的未来。举例来说,如果你想要性解放,你必须现在就开始行动,而不是简单地要求它。即使失败了,它也提供了一瞥和一种可能的体验,这种体验具有更持久的结果和价值。

今天,这些想法已经被创造性地补充和重铸,重点不在于对独创性的主张,而在于连续性的观念。为什么过去在今天看起来特别有吸引力?

建筑团队Archigram非常出色地预测了我们的身体与数字设备的联系,例如Electronic Tomato和Info-Gonks——你对在研究中遇到的预测感到惊讶吗?

一直都是。Info-Gonks就像谷歌眼镜。20世纪70年代和80年代,阿姆斯特丹的一个电动汽车共享项目Witkar。Archigram的“Room of a 1000 Delights”就像虚拟现实。Superstudio的Supersurface就像互联网。Heineken的World Bottle:玻璃啤酒瓶作为一个升级的建筑砖。Videofreex电视项目预示了社区电视和“用户贡献内容”。那是一段充满幻想的时期。

出版业扮演了一个非常有趣的角色,尤其是它在很大程度上承担了出版作为创造或为公众服务的角色,你认为哪些杂志是那个时代的典型?

我想到了三份杂志,都在展览里。Aspen magazine,“盒子里的杂志”(the magazine in a box),这是一份主题出版物,每期都有一个独特的艺术指导。它是材料和媒介的集合:小册子、海报、图像、软盘、电影和音乐唱片——这些都是多媒体的信息。另一本杂志是Scanlan's Monthly,由不可思议的芭芭拉·斯道法切·所罗门(Barbara Stauffacher Solomon)执导,她以超大图形闻名。这是一本揭露丑闻的杂志,给世界带来了疯狂的新闻报道,也是第一本呼吁弹劾理查德·尼克松的杂志。这两本杂志基本上都被迫停刊的,表面上是因为它们不符合邮政法规,或者被印刷商列入黑名单。Oz magazine在设计和内容方面都有所突破。它受到审查。

这本书不像传统的展览出版物,因为它关注的是主题,而不是具体的展览记录。你能详细说明一下你做这本书时的想法吗?

我和Walker的设计总监埃米特·伯恩(Emmet Byrne)合作完成了这本书的设计。我们在做这本书的时候也有类似的顾虑,一方面我们受到了内容和时代的启发,但是我们不想去模仿它。我们希望创造一些新鲜的东西,但同时也希望创造一些不受其内容影响就不可能被创造出来的东西。

从形态上看,它是《全球概览》(包括平装版)和《人民黄页》(People’s Yellow Pages,旧金山湾区的一本免费电话簿)的混合体。我们最初的计划是使用Helvetica字体,这在当时确实是革命性的,但是一旦你看到Scanlan's的字体设计,就没有必要去模仿了。我们需要更多嬉皮士。为了节省时间,我们没有使用橡皮图章,虽然这很诱人。取而代之的是打字机和Cooper。

带有颜色和黑白条纹的时髦银纸是纯正的Emmet。这些页面的功能类似于为展览中的不同作品做“广告”,有时它们只是简单地重现一个真实的广告,但经常是虚构的。在这里,我们也使排版和风格调色板多样化,Day-Glo是在旧金山湾区发明的,直到这个时期才真正被开发,因此才有了荧光黄色。

我的想法是把“反文化的广告”(Advertisements of a Counter Culture)的复写版也包括进去,它最早出现在《建筑进展》(Progressive Architecture)杂志上(大概是编辑被炒了)。我想重复这个想法,为反文化做广告,并扩展它。我希望我们有时间和空间去做更多的事情。

读者应该从巴克明斯特·富勒(Buckminster Fuller)和Shoji Sadao为第67届世博会设计的美国馆的封面图片中得到什么启示呢?

1976年美国建国200周年的时候,穹顶(dome)着火了,这似乎标志着反主流文化时代的结束。所有这些梦想都会化为灰烬。从穹顶的灰烬中(金属网格结构幸存了下来,塑料涂层融化了),一座生物圈博物馆矗立在里面。这似乎是一种思考嬉皮士现代主义命运和未来的有趣方式。

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